Com sua exibição dinâmica de roupas, fotografias e esboços em aquarela, a exposição de 2013 Stephen Burrows: When Fashion Danced , no Museu da Cidade de Nova York, fez jus ao seu nome e representou um excelente exemplo de moda como arte performática. Manequins cineticamente posicionados, vestidos no estilo inconfundível de Burrows - uma paleta de arregalar os olhos, padrões de cores bloqueadas e bainhas esvoaçantes com bordas de alface - evocaram os movimentos de dança de alta energia da cena club dos anos 1970. O efeito foi tanto a performance quanto a instalação, e na inauguração repleta de estrelas, a icônica modelo Iman expressou seu puro prazer que as conquistas de Burrows na moda estavam sendo celebradas em um museu.
As roupas, antes consideradas artefatos culturais ou exemplos de artesanato, ocuparam o centro das exposições em museus quando Diana Vreeland lançou a tendência. Em 1972, o ex-editor das revistas Vogue e Harper's Bazaar assumiu as rédeas do Instituto de Trajes do Metropolitan Museum of Art (Met's) na cidade de Nova York. Suas exposições espetaculares - concebidas com todo o talento de um ensaio fotográfico brilhante - transformaram uma coleção auxiliar em uma atração de alto perfil, atraindo multidões sem precedentes, bem como doações de alta costura moderna e contemporânea de clientes generosos, ofertas que transformaram os acervos históricos. Sob a administração de Vreeland, o apelo popular da moda revigorou a noção difusa de traje histórico.
Ao longo da última década, exposições como as “Ligações Perigosas” do Met (2004), uma instalação de roupas extravagantes do século 18 nos quartos do período francês, elevaram o status e também o perfil das roupas nas coleções de museus. Além disso, em 2011, a retrospectiva de moda “Alexander McQueen: Savage Beauty” quebrou o recorde de público do Met para uma exposição de moda em seu Costume Institute e redefiniu a moda em termos de belas-artes. Um número sem precedentes de exposições em 2013 incluiu roupas - tanto históricas quanto da moda - como parte do conceito-chave. O Met foi um dos três museus a montar “Impressionismo, Moda e Modernidade”, que apresentou peças de vestuário autênticas instaladas ao lado de pinturas para celebrar o papel da moda na França do final do século 19, e o Met encenou “Punk: Caos para Couture,”Uma exploração do punk como um fenômeno cultural que confundiu a linha entre as artes, a vida nas ruas, o estilo de vida e a moda. Outro espetáculo foi “As aparências podem enganar: os vestidos de Frida Kahlo”, na Casa Azul (antiga casa da pintora na Cidade do México), em que seu guarda-roupa pouco ortodoxo era apresentado como parte de sua prática artística.
Um abraço correspondente da moda foi visto na arte contemporânea. A artista belga Isabelle de Borchgrave se inspirou em retratos de mestres da Renascença como Botticelli e Bronzino, bem como em designs de alta costura clássicos de Mariano Fortuny e Christian Dior para suas impressionantes esculturas de vestuário em tamanho real; cada recurso - decorativo ou estrutural - foi meticulosamente renderizado em papel. Os Soundsuits de corpo inteiro do Chicagoan Nick Cave combinavam mascarada com escultura vestível. O meio favorito do artista britânico-nigeriano Yinka Shonibare era o tecido de batique de dupla face feito pela empresa holandesa Vlisco, a partir do qual ele confeccionou roupas de inspiração histórica. O tecido Vlisco foi criado em 1846 como uma alternativa manufaturada à técnica de trabalho intensivo do batik de cera da Indonésia. Foi então comercializado na África Ocidental e Central,onde se tornou popular entre a elite local. Shonibare descreve o tecido como “mestiço”, e a complexidade de suas origens adiciona peso simbólico e beleza a seus quadros provocantes.
Entre os jovens artistas americanos, a moda forneceu mais do que inspiração ou iconografia; em termos de identidade e estética, era parte integrante de sua arte. Para vestir esculturas suaves como This Yellow Shell (2013) e Soul Elsewhere(2013), Shinique Smith, de Brooklyn, manipulou camisetas, jeans e tênis. A estranha mutação de roupas familiares aumentou a poderosa força vital de suas formas curvilíneas. Kehinde Wiley inspirou-se em pinturas europeias de renome, mas, como visto nos oito retratos de sua exposição "Memling" de 2013, ele substituiu os santos e burgueses flamengos de Hans Memling por jovens afro-americanos vestidos no estilo urbano agressivo do hip-hop e Cultura de rua de Nova York. Delano Brown incorporou tanto a moda à sua arte que pintou padrões florais em vestidos usados por modelos vivas durante sua exposição na Smart Clothes Gallery no Lower East Side de Manhattan. Brown disse que seu método - parte desempenho e parte produção - tornou a arte acessível, observando que, ao contrário de uma tela de “$ 50.000,”Uma peça de roupa“ é algo que todos entendem. ”
Na crítica de Holland Cotter sobre "White Petals Surround Your Yellow Heart", uma exposição coletiva de 2013 (realizada no Institute of Contemporary Art na Filadélfia) que explorou a premissa de que "você veste o que é", ele saudou o fato de que "o coisa da moda como arte ”tinha ficado“ confusa e confusa ”. Como as fronteiras que antes dividiam a moda e a arte se tornaram totalmente permeáveis, os designers de moda tornaram-se cada vez mais relevantes como presença no mundo da arte. Por exemplo, o estilista Karl Lagerfeld, que garantiu uma reputação de fotógrafo habilidoso, montou em 2013 uma exposição de "Fire Etchings", imagens retroiluminadas do tamanho da parede gravadas a fogo em vidro, na Galerie Gmurzynska em St. Moritz, Suíça . Também em 2013, o designer de acessórios Reed Krakoff recebeu o prêmio do Whitney Museum of American Art. Para marcar o evento, ele recrutou vários artistas,notavelmente o escultor e impressor Kiki Smith e a fotógrafa Nan Goldin, para ajudá-lo a criar versões personalizadas de sua popular bolsa Reed Krakoff Track; as bolsas foram expostas na cerimônia de premiação e, em seguida, disponibilizadas para compra na loja de presentes.
Em 2007, os designs de Damien Hirst para Levi's e Takashi Murakami's para Louis Vuitton (exibidos em uma loja de presentes incorporada a uma retrospectiva de seu trabalho no Museu de Arte Contemporânea de Los Angeles) gerou um acalorado debate crítico sobre a relação entre belas-artes e consumismo . Em 2013, no entanto, esses produtos projetados por artistas não eram apenas desejados pelos consumidores, mas também avaliados pela crítica. Além disso, as encomendas dos produtos - e a publicidade que eles geravam - eram muito procuradas pelos artistas. Os artistas de rua Retna, Aiko e o time irmão gêmeo Os Gemeos criaram motivos de graffiti para as luxuosas estolas e lenços de seda da Louis Vuitton. A linha de roupas masculinas outono-inverno da Vuitton apresentou um conjunto da cabeça aos pés feito pelos irmãos Chapman (Jake e Dinos).Seu motivo “Garden in Hell” apresentava um tecido padronizado com ramos entrelaçados, flores e animais estilizados em um fundo vermelho-sangue inspirado no apartamento de Vreeland em Manhattan. A casa de moda Alexander McQueen convidou Hirst para criar uma nova edição do lenço de caveira do falecido designer para comemorar o 10º aniversário do lançamento da linha de lenços de McQueen; Hirst recriou os sedutores insetos, borboletas e aranhas de sua própria série Entomologia de 2009 como apetrechos rastejantes nos crânios de McQueen.Hirst recriou os sedutores insetos, borboletas e aranhas de sua própria série Entomologia de 2009 como apetrechos rastejantes nos crânios de McQueen.Hirst recriou os sedutores insetos, borboletas e aranhas de sua própria série Entomologia de 2009 como apetrechos rastejantes nos crânios de McQueen.
Os designers há muito se voltavam para as artes em busca de inspiração, principalmente no vestido Mondrian em bloco de cores de Yves Saint Laurent (1965) e sua linha de arte Pop (1966), que apresentava apliques gráficos de corações e rostos. McQueen transportou o estúdio para a passarela durante seu desfile primavera-verão de 1999, quando conjurou dois robôs pulverizadores de tinta para transformar o No. 13, um vestido de musselina sem alças usado pela modelo Shalom Harlow enquanto ela girava em uma plataforma giratória, em um preto e amarelo pintura abstrata. Nas coleções do outono de 2013, vários designers prestaram homenagem distinta ao léxico da história da arte: Maria Grazia Chiuri e Pier Paolo Piccioli revisaram as silhuetas e os tecidos luxuosos do retrato flamengo em um pronto-para-vestir para Valentino. Arte bizantina adaptada dos mosaicos localizados na cidade de Ravenna, Itália, agraciou os conjuntos de Dolce e Gabanna,que foram complementados com pequenas coroas de ouro. O designer Raf Simons escolheu o artista Andy Warhol como sua musa na criação de motivos gráficos divertidos para a Dior. Foi Viktor & Rolf, no entanto, quem fundiu perfeitamente design e desempenho. Eles voltaram às suas raízes na alta costura para seu desfile de 20 anos em Paris, criando roupas envolventes em opulenta lã preta fosca. Cada modelo caminhou lentamente para a passarela, parou e abaixou-se ao chão em uma pose que transformou seu corpo vestido em escultura. Os quadros coletivos de tirar o fôlego - evocando as formas simples, mas emocionantes, de rochas deliberadamente dispostas em um jardim de meditação zen - colocaram de lado a incômoda questão sobre os limites entre arte e moda. Ao rejeitar a diferença entre arte conceitual e design de moda, Viktor & Rolf redefiniram a moda como arte performática.
